En la mitología griega, le fue dada a Pandora, la primera mujer sobre la tierra, una caja que no debía abrir bajo ninguna circunstancia. Impulsada por su curiosidad, Pandora abrió la caja y todos los males que contenía se escaparon y esparcieron sobre la tierra. Pandora se apresuró a cerrarla, pero todo su contenido había escapado: una sola cosa quedaba en el fondo, la Esperanza, la cual permanece hasta nuestros días como lo único que reconforta a la humanidad en el infortunio. Como en el mito de Pandora, la esperanza aparece como símbolo detrás de esta colección de trabajos.

El Proyecto Pandora fue un proyecto internacional de trabajo en colaboración entre 15 artistas, provenientes de Argentina, Chile , Estados Unidos y Uruguay, que desarrollaron conjuntamente una edición de grabados-objetos no-tradicionales en papel basados en el Mito Griego de la Caja de Pandora.

El proyecto fue dirigido y conceptualizado por Rimer Cardillo, artista y profesor de la Universidad Estatal de New York en New Paltz y por Alicia Candiani, artista y directora de Proyecto ´ace, Buenos Aires en Argentina.

Después de tres meses de trabajar separadamente, un grupo de artistas en Norteamérica y el otro en Sudamérica, el Proyecto Pandora se convocó en Proyecto´ace, en Buenos Aires, del 8 al 22 de Julio de 2006. Mediante la utilización de distintas técnicas gráficas, digitales, fotográficas, de construcción en papel, collage y costura, los participantes documentaron temas globales como el medio ambiente o problemas antropológicos y sociales de nuestro tiempo. Los objetos de papel fueron recolectados y alojados en un portafolio / “contenedor artístico”. Visto como una Caja de Pandora contemporánea, el contenedor se convirtió en un símbolo de la colaboración entre los artistas que participaron de intensos días de intercambio, de diversidades artísticas y culturales.

Objetivos móviles / Moving Targets-Buenos Aires fue un proyecto co-curatorial co-organizado por el artista John Hitchcock (Director del Departamento de Grabado y Profesor Asociado de la Universidad de Wisconsin-Madison, EE. UU.) y la artista Alicia Candiani ( Directora de Projecto´ace) enmarcado en la residencia que Hitchcock hizo con nosotros del 15 de febrero al 6 de marzo de 2008.

Con el apoyo institucional del Ministerio de Cultura de la Municipalidad de Buenos Aires y la asociación con la empresa Metrovías, Objetivos móviles / Moving Targets-Buenos Aires resultó en una acción artística urbana que involucró al barrio de Colegiales y transcurrió como una acción performatica en el Metrovías S.A., empresa Argentina, concesionaria del servicio de pasajeros metropolitano del ferrocarril Urquiza.  La acción gráfica se llevó a cabo en Argentina el viernes 29 de febrero, 2008 (¡un día único en un año bisiesto!) y tuvo lugar entre la Estación Federico Lacroze en la Ciudad de Buenos Aires y la Estación Fernández Moreno en la Provincia de Buenos Aires del ferrocarril General Urquiza.  Estas dos estaciones unían Proyecto’ace en Colegiales, Ciudad de Buenos Aires y  el Centro de Edición, un taller y galería dedicado a la litografía ubicado en Saénz Peña, provincia de Buenos Aires y dirigido por la artista Natalia Giachetta. Un grupo de 25 artistas argentinos liderados por John Hitchcock y Alicia Candiani, llevaron grandes pancartas a través de los vagones del tren durante esta trayectoria.  Cada pancarta tenía varias imágenes de obras de artistas de América del Norte, América del Sur y del Caribe. 50 jóvenes artistas emergentes (25 de América del Sur y 25 de América del Norte) y 50 artistas establecidos fueron invitados a participar.

Las pancartas, como grandes banderas, se expusieron en dos espacios en Argentina: en el Hall Central de Proyecto‘ace y las plataformas del Tren General Urquiza frente al Centro de Edición en la provincia de Buenos Aires. Más tarde se mostraron en las galerías Main y Kunst Vault de Pyramid Atlantic Art Center del 1 de agosto al 3 de octubre de 2009 en los Estados Unidos.

SOBRE EL PROYECTO INTERNACIONAL OBJETIVOS MÓVILES

Como concepto, Objetivos Móviles/Moving Targets implica presentar el arte impreso de una manera específica y significativa, vinculándolo  con la rica tradición gráfica que también vehiculiza la expresión de crítica social y política, individual o colectiva.

Como un proyecto gráfico internacional que refleja las preocupaciones sociales, muestra metafóricamente como estas se mueven a través del transporte público y a través de las fronteras. Este proyecto tiene como objetivo reflexionar acerca de cómo el transporte público puede convertirse en un medio de difusión cultural a la vez que hace hincapié en la tradición histórica que tiene la gráfica como un vehículo democrático para la comunicación de ideas.

La primera exposición de esta acción se presentó originalmente como Cultural Transport / Moving Target en un tren entre Berlín (Alemania) y Poznan (Polonia), coorganizado por Keith Christensen y John Hitchcock en el marco de IMPACT IV en Alemania. El título Objetivos (Blancos) Móviles, fue tomado de la jerga militar (moving targets en inglés) y expresa la dificultad que existe al intentar frenar algo o destruirlo cuando se encuentra en movimiento. El proyecto utiliza los trenes, medios de transporte público, para difundir acciones culturales que transitan sin detenerse. De este modo el vehículo es literalmente el medio de expresión. Bajo la metáfora de que lo que está en movimiento no puede ser derribado, se planificaron acciones realizadas en los trenes con obras impresas aludiendo también a la capacidad que tiene la gráfica como agente que promueve la reflexión y el cambio.

Artistas argentinos emergentes que participan en la acción performatica

Buenos Aires |Daniela Karol, Magdalena Arnaud, Lucía Miranda, María Julieta Arnaut, Félix Torrez, Carolina Sosa, Josefina Zuain, Federico Signorelli, Juan Natch, Sofía Quirno, Fernanda Castelo, Valeria Zamparolo, Ignacio Luis Ravazzoli, Nicolás Monti, Isabel Gruppo
Córdoba | Sergio David Álvarez, Gisele Rodríguez Polich, Maximiliano de los Ríos, Lucía Méndez, Ana Belén Saldias López, Mariana Pavan, Iván Vianello, Micaela Damico Bossio
Santa Fé | Javier Cazenave; Tucumán | Martín De Negro.

Desde el 06 de Abril al 16 de Mayo de 2015 las obras producidas en el Proyecto Internacional CROSSOVER [KC – BsAs] se expusieron en la Western Gallery de la Western Washington University en el Estado de Washington en Estados Unidos.  La muestra, organizada por uno de los creadores del proyecto, la artista Cara Jaye,  formó parte de una gran exposición en donde se mostraban las obras de todos los Crossover realizados hasta el momento. Los eventos relacionados con la exposición incluyeron la residencia de los artistas Miguel Rivera, Alicia Candiani, Melanie Yazzie y Patricia Villalobos Echeverria del 6 al 10 de abril y conferencias programadas para el 7, 8, 9, 21  de abril y 5 y 7 de mayo, además de charlas con los artistas en la galeria explicando el proyecto.

Crossover fue un proyecto creado por Cara Jaye (Washington, EEUU) y Miguel Rivera (Guanajuato, México) en 2004 como una colaboración espontánea que se expandió para incluir la toma y el intercambio de obras de arte de más de 30 artistas de más de diez países, Crossover / Cruce de Vías aborda cuestiones de intercambio , fronteras, autoría, viajes y la interacción dentro de la colaboración.  La diversidad de la exposición de 150 obras incorpora técnicas de dibujo, collage, fotografía, pintura y grabado, ya que los artistas usan capas y múltiples puntos de vista para formar un diálogo activo y continuo sobre el cruce de fronteras y nacionalidades, uniendo diferencias y expresando puntos en comú,  mientras el trabajo  circula a través de las fronteras reales.

Exposiciones internacionales de Crossover

2015  | Crossover / Cruce de Vías, Western Gallery, Western Washington University. Bellingham, Washington,EE.UU.
2013  | Crossover [KC-BsAs], Projecto´ace. Buenos Aires, Argentina
2012  | Crossover KC,  Kansas City artists Coalition. Kansas City, Missouri, EE.UU.
2006 |  Crossover / Cruce de Vias, Shift Gallery. Seattle, Washington, EE.UU. y Galería Jesús Garcia, Guanajuato, México

CROSSOVER [KC – Bs As] es la cuarta edición de un proyecto internacional de grabado en colaboración, entendido como una obra en curso,  entre artistas que cuestionan las normas establecidas de producción original y autoría de las prácticas  artísticas. En este proyecto, el trabajo, la propiedad y los egos se volvieron irrelevantes, ya que los artistas tienen que confiar los unos en los otros, permitiéndoles a ellos y a sus contrapartes colocar sus marcas a mano en imágenes y matrices de otros.

Adriana Moracci, la masterprinter de ´ace, inspirada en un conjunto de matrices de xilografías que el artista Miguel Rivera dejó durante su residencia con nosotros en 2011, lanzó las ideas que iniciaron esta sesión de CROSSOVER [KC – Bs As]. El proyecto internacional se completó dentro del Programa Internacional de Residencias Artísticas  ´acePIRAR en Buenos Aires, Argentina de febrero a junio de 2013.

Crossover ha sido diseñado como un proyecto de colaboración entre artistas que cuestiona las normas establecidas de la producción original y la autoría del trabajo artístico, lo que lleva al trabajo colaborativo entre artistas de todo el mundo. El trabajo, la propiedad y los egos de uno se volvieron irrelevantes, ya que los artistas tienen que confiar entre ellos permitiéndose a sí mismos y a sus contrapartes colocar sus marcas de mano, imágenes y matrices en sus trabajos anteriores. Cada pieza realizada en esta serie es única, estas obras no son ediciones, ya que las piezas individuales se trabajan y circulan entre sus participantes. Todos los artistas tenían como objetivo evolucionar en su propia práctica al encontrar puntos de vista comunes y discursos teóricos. CROSSOVER [KC – Bs As] re-semantizó 15 planchas grabadas en madera talladas con técnicas digitales por el artista Miguel Rivera en los talleres de KCAI en los Estados Unidos. Durante tres sesiones diferentes, los participantes se unieron para crear nuevas obras basadas en las matrices de Rivera.

Por último, pero no menos importante, el propio Rivera participó en las diferentes sesiones en Buenos Aires, dio charlas y emitió críticas por videoconferencia. Más tarde, viajó para la inauguración de la exposición en la Sala Políglota in ‘ace el 15 de mayo de 2013 y dictó un taller el 20 del mismo mes. La exposición viajó a los EE. UU. y se exhibió en Maller Gallery, Kansas City Artist Coalition, Kansas City y Western Gallery, Western Washington University en Bellingham.

Ingresa aquí para conocer a los artistas y sus obras.

HISTORIA

El Proyecto Crossover se inició como un experimento sobre las posibilidades de trabajo en colaboración entre los artistas Cara Jaye (EE. UU) y Miguel Rivera (México).

En sus comienzos en 2006, el proyecto estuvo orientado a objetivos compartidos entre México y los Estados Unidos. Cara Jaye por su cuenta estuvo trabajando en la ciudad de Bellingham, Estado de Washington en EEUU y Miguel Rivera en la  histórica ciudad de Guanajuato en México. Ambos artistas viajaron  entre los dos países para crear piezas en papel con estratos de imágenes,  realizadas principalmente en grabado y fotografía. En el devenir del trabajo se fueron agregando otros elementos como piel de coyote, técnicas alternativas de fotografía como VanDyke, imagen digital, collage, pintura y dibujo. El proyecto fue dividido en dos partes con dos exposiciones diferentes en Guanajuato y en  la ciudad de Seattle, Estados de Washington en EEUU.

Después de ese inicio, el proyecto continuó en Buenos Aires en 2011, durante la residencia que Miguel Rivera hiciera en ´ace en dónde empezó a producir una obra en conjunto con Alicia Candiani. La obra fue retomada durante la estadía de Alicia en el Kansas City Art Institute como artista visitante, en dónde fue terminada y expuesta en conjunto con la exposición individual que Candiani realizará  en la Galería Maller de la Kansas City Art Coalition en Octubre de 2011.

En el año 2012 el proyecto se extendió incluyendo a más artistas como Patricia Villalobos Echeverria (Nicaragua, EE.UU.), Melanie Yazzie (Boulder, Colorado, EEUU.) y Michael Schonhoff (Kansas City, EE. UU.). En esta versión se le propuso a los artistas intercambiar trabajo “sin terminar” al inicio de la misma dando pauta a los participantes para intervenir y terminar las obras.  La confianza mutua sobre la marca posterior o la vida de la imagen después de su concepción permitió la fusión de varias sensibilidades estéticas.

Como parte de las actividades organizadas en relación al Proyecto Internacional 150 [Ciclos] del 20 septiembre de 2013 al 23 de Febrero del 2014 estuvo en exposición en el  Espacio Diálogo y el Hall Central el portfolio de grabados Huellas y gestos.

Este portfolio  reúne un grupo de artistas de los EE.UU. y el extranjero que exploran libremente las huellas y los gestos, referenciando lugar/sitio(s), traducción, diálogos culturales y las huellas que estos pueden dejar a un individuo y las que el individuo deja atrás. A nivel mundial, el uso de los fanzines (revistas para fanáticos), graffiti, esténcil, redes sociales y otros rastros de impresión ha tenido un creciente impacto en el discurso actual sobre la libre difusión de las ideas. Lo que puede parecer un gesto fugaz puede repercutir, tener un impacto a largo plazo, ya sea en una escala global o personal.

El portafolio fue organizado por las artistas Patricia Villalobos Echeverría y Nichole Maury y fue expuesto por primera vez en la Galería Greymatter, Suite 222 en Milwaukee, EE.UU., como parte de las exposiciones relacionadas con el PRINT:MKE el congreso internacional del Southern Graphic Council International (SGC International) celebrado por la Universidad de Milwaukee y el Instituto de Arte y Diseño de Milwaukee en marzo de 2013.

[CICLOS] Portfolio exchange – Caja Gráfica es una iniciativa que busca abrir espacios para la creación de obra gráfica, la interacción de artistas de todas las nacionalidades con nuestro barrio, la apertura de plazas para exhibición y difusión de obra así como también interactuar con artistas internacionales. De esta manera [CICLOS] propuso la creación de un portafolio-caja gráfica con grabados/piezas gráficas de cada uno de los artistas participantes e invitados y ofrece la oportunidad de exhibir esa obra tanto en la Argentina como en el exterior.

Los artistas seleccionados realizaron una micro-residencia de una semana para desarrollar su obra en el taller de la Fundación. Cada uno de los artistas tendrá una caja-portafolio con la obra de todos los participantes al terminar el proyecto.Las obras realizadas y la caja-portafolio se exhibirán en la Fundación´ace durante 2014. Algunas cajas serán donadas a colecciones internacionales e iniciarán una exposición itinerante.

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Para la Real Academia Española [ciclo] es un periodo de la historia que se considera acabado, el conjunto de fenómenos u operaciones que se repiten ordenadamente, un grupo de tradiciones épicas concernientes a un determinado período de tiempo o una serie de fases por las que pasa un fenómeno periódico. Por otro lado el prefijo “ciclo” significa “hacer girar”, “dar vueltas”.

Todas las disciplinas, desde la antropología hasta la ingeniería, tienen ciclos. Así como también  los ciclos aparecen como procesos que siempre siguen las mismas fases en el mismo orden.  En este proyecto nos inspiramos en la idea de los [ciclos] desde múltiples perspectivas aludiendo a la idea de movimiento, de giro, de principio y de final, de retorno mítico, de lo que se fue y acabó, de lo que se abre y florece o de lo que se repite indefinidamente dando lugar a múltiples interpretaciones visuales. Comienzo y fin, retorno, etapas, movimiento… serán algunas de las posibilidades que los artistas podrán explorar visualmente en este portfolio.

En saludo al 1er Encuentro Internacional de Litografía que se realizó los días 16, 17 y 18 de noviembre de 2017, se realizó una recepción en conjunto con la inauguración de la exposición La litografía en otros contextos, en la que recibimos a los artistas argentinos y extranjeros que participaron como ponentes o invitados en el evento. La muestra, con curaduría de Alicia Candiani y Adriana Moracci, resultó de una selección entre las obras de la colección de Fundación´ace de los trabajos realizados en litografía por artistas en residencia dentro de nuestro programa internacional.

ACERCA DEL 1er ENCUENTRO INTERNACIONAL DE LITOGRAFÍA

Organizado por el Museo de la Cárcova, con la coordinación general de Lorena Pradal a cargo del Taller de Litografía, el encuentro tuvo el objetivo de favorecer el intercambio de aspectos técnicos y conceptuales relacionados con el grabado, en especial la técnica litográfica, la incorporación de nuevos recursos y las dinámicas de su enseñanza en las instituciones de arte.

El encuentro, que en sus tres jornadas de duración contó con la participación de investigadores, especialistas y artistas nacionales e internacionales, ofreció charlas expositivas, mesas redondas, exposición de estampas y talleres teórico-prácticos en torno al rol de la gráfica en la actualidad y sus funciones dentro del repertorio lingüístico expresivo en las artes visuales. Alicia Candiani, directora de ´ace fue invitada a participar de uno de los paneles y desarrolló el tema Acerca de la no-especificidad de la gráfica contemporánea: la litografía en otros contextos, dando a conocer los proyectos de gráfica expandida realizados dentro del Programa Internacional de Residencias Artísticas ´acePIRAR.

Luego del desembarco de ´ace en FIG Bilbao2019, con Argentina como país invitado, y la voluntad de ambas organizaciones de ampliar sus redes internacionales hemos firmado un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones: FIG BILBAO y Fundación´ace. Alicia Candiani, directora de ´ace,  pasa a formar parte del Comité de Dirección de Open Latinoamérica con el objetivo de dar movilidad a los artistas y sus trabajos de forma internacional. Asimismo, este año hemos sido nuevamente invitados a participar de la feria para lo cual se han seleccionado un  prestigioso grupo de artistas profesionales internacionales.

La Feria Internacional de Grabado y Arte sobre Papel (FIG Bilbao) se ha posicionado como una de las más importantes de Europa. Este año celebra su 9na edición y, si bien no puede aspirar a atraer en cuatro días a más de 11.000 visitantes como sucedió el año pasado, no ha dudado en reinventarse en formato online y, además, no descuida las propuestas presenciales en la medida de lo posible. Hoy estrenará la plataforma digital www.figonlinefair.com, con la oferta de 50 galerías y más de 500 artistas, que estará activa todo el mes de diciembre.

Las obras abarcan un amplio rango de precios y se podrá disfrutar del asesoramiento gratuito y personalizado de la experta Elisa Hernando, responsable del servicio online Acercarte. Entre los creadores presentes en esta edición, lo mismo se podrá apostar por talentos emergentes como Juan Escudero y Kepa Garraza, o ya consagrados de la talla de Joan Miró y Eduardo Chillida.

Tres contenedores marítimos se han instalado junto al Museo de Bellas Artes de Bilbao. En su interior se proyectarán todas las obras del catálogo ferial en pantallas led que cambiarán de contenido cada 15 minutos. Hasta el 14 de diciembre (de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas) estarán a disposición de los transeúntes. Son espacios que cumplen con la función de stands de FIG Bilbao, adaptados a las restricciones que impone la pandemia, y se complementan con los códigos QR de cada galería que permitirán acceder a la plataforma digital.

El miércoles 23 de marzo de 2022 presentamos Cohabitar memorias, nuestro primer ´aceNITE del año y el primero desde que comenzó la pandemia. Durante este encuentro, tuvimos varias actividades simultáneas que se complementaban y potenciaban mutuamente. Por un lado, la Sala Políglota recibió el proyecto internacional El mundo ES/EN un pañuelo, una exposición itinerante con curaduría de Claudia DeMonte y Cecilia Mandrile que traza encuentros fortuitos, momentos de descubrimiento y conexiones personales en lugares distantes o contextos inesperados, siendo hasta el momento un total de 121 obras impresas en distintas técnicas de gráfica sobre pañuelos de algodón—en esta ocasión, se presentó además la genealogía de Proyecto´ace, con la curaduría de Alicia Candiani.

A esto, se le sumaron las presentaciones de nuestros artistas en residencia. Chris Knollmeyer (EE. UU.) presentó y tocó en vivo para el público presente una pieza musical compuesta y diseñada especialmente para acompañar a la instalación de los pañuelos en la Sala Políglota. Durante 4 semanas, Chris compuso fragmentos originales con un software generativo creado por él, utilizando sonidos de instrumentos musicales y grabaciones ambiente tomadas de la Ciudad de Buenos Aires y sus entornos durante su estadía.

La artista en residencia Ioulia Akhmadeeva (Rusia-México) mostró parte de los resultados obtenidos durante su Residencia de Producción en nuestro taller, compartiendo con el público un libro de artista y distintas ediciones en las que estuvo trabajando los temas de la memoria y de la situación bélica en la que se encuentra su país natal bajo el título Stop War / Net Voyne!. Wesley Ericson (EE. UU.) inauguró para el público su instalación site-specific La visita de Perseo y Medusa en nuestro patio, donde realizó una pintura mural que toma una de las plantas colgantes y la incorpora a un motivo clásico de la historia del arte: la figura de Perseo sosteniendo la cabeza decapitada de la Medusa. Wesley también instaló un espejo para que quienes se atrevieran a contemplar su obra no se vieran paralizados por la mirada de la Medusa.

Además, se presentaron  los resultados obtenidos por la cohorte de COHABITAR FRONTERAS, la séptima edición de nuestro programa online Juntos a la distancia. En esta ocasión, con el apoyo del Fondo Metropolitano de las Artes, 20 becarios trabajaron colectivamente para descubrir modos posibles de habitar conjuntamente espacios indeterminados dentro de sus prácticas artísticas, creando nuevos cuerpos de obra y pensando preguntas en torno al cruce de disciplinas tanto dentro del arte como por fuera de él.